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Die Welt ist bekanntlich in den letzten Jahren immer schneller geworden. Auch und vor allem durch das Internet, welches uns heute die Möglichkeiten bietet, Informationen und andere Dinge, wie beispielsweise Fotos und Bilder, in vielerlei Variationen vor uns zu sehen. Der technische Fortschritt tut eben sein Übriges. Kurios, dass ausgerechnet der führende Suchmaschinenanbieter Google, der uns zu all dem ganzen Haufen an Sachen führt, seine Nutzer – also praktische alle, die im Internet unterwegs sind – über besonders historische Erlebnisse und prominente Personen aus der Vergangenheit ein kleines Doodle entwickelt hat und es auf seiner Internetseite zur Schau stellt. Diese sind meist interaktiv und führen dazu, dass der Suchmaschinennutzer meist ein lustiges Vergnügen bei seiner Suche hat. Zum Beispiel am 14. April ehrte Google den Fotografen Robert Doisneau. 

Doisneau hätte an diesem Tag seinen 100. Geburtstag gefeiert.  Doisneau war ein Fotograf, der besonders das alltägliche Leben mit seinen Fotos aufgegriffen hat – und das in all seinen Variationen. Sie zeigen nicht nur schöne Momente, sondern auch diese, in denen es Menschen nicht gut geht. Der Kern seiner Fotos macht etwas aus, das jeder Betrachter für sich selbst ist: ein Mensch. 

Vor allem in schwarz-weiß fotografiert, ehrt nun auch das Google-Doodle diesen besonderen französischen Fotografen. Sein Leben war schon sehr früh vor allem durch das Fotografieren geprägt. Schon mit 20 wurde eine Fotoreportage von ihm veröffentlicht, er studierte Lithografie und Gravur. Nach einem Jahr in der Armee, war er Fotograf der Résistance, die den Auftrag hatte, die Befreiung und Besetzung in Paris zu zeigen und zu dokumentieren. Er arbeitete für die Fotoagentur Rapho, für die Vogue und andere Zeitschriften. 

Sein künstlerisches Vermächtnis enthält sagenhafte 350.000 Fotos. Das wohl bekannteste von ihm wurde für 155.000 Euro versteigert. Es zeigt ein Paar, das sich vor dem Pariser Rathaus küsst. 

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Es gab Zeiten, da machte Volvo noch Werbung mit Speed, Power und Adrenalin. Ein Werbespot von 1983 zeigt beispielsweise den Volvo 240 Turbo, der mit quietschenden Reifen  seine rasante Fahrt über eine Straße wie eine Rennstrecke startet. Qualm steigt aus dem Auspuff empor. 

Heute ist von diesem Image nichts mehr übrig geblieben. Die neuen Schlagworte lauten Design, luxuriöser Komfort, Sicherheit und Ökologie. Dazu passt besonders gut der neue Werbespot zum aktuellen Volvo S80, der unter anderem in Dubai produziert wurde. Die Kulisse ist in nächtliches Schwarz gehüllt, die Straßen sind gesäumt von erläuchteten Hochhäusern, alles ist ruhig und friedlich. Bei der Produktion wurde auf eine Kombination aus stimmungsvollen Straßenaufnahmen und Studioschnitten gesetzt. Hier geht es darum dem Zuschauer zu zeigen, wie wohl und sicher sich der Fahrer in seinem Fahrzeug fühlt. Außerdem präsentiert sich der schwedische Autohersteller als trendbewusst, denn Volvo führt mit seinem aktuellen Modell Volvo S80 auch die Funktion “Volvo on Call” ein, für die es mittlerweile auch eine App gibt. So kann der Fahrer über ein Smartphone mit seinem Auto kommunizieren, etwa die Türen verriegeln, die Sitzheizung im Voraus einschalten oder das Fahrzeug auf einem Parkplatz ausfindig machen. 

Zum ersten Mal auf den Markt kam der Volvo S80 im Sommer 1998. Das Fahrzeug gehörte von Anfang an zur oberen Mittelklasse bzw. den Top-Modellen. Anders als die meisten früheren Volvos verzichtete der Automobilhersteller auf die Ecken und Kanten, setzte stattdessen auf abgerundete Formen. 2011 wurde der S80 erneut überarbeitet, um neusten Sicherheitsstandards gerecht zu werden, sowie Akzente im Design- und Komfortangebot zu setzen. Der D5 Motor soll sowohl für Kraft als auch Effizienz sorgen, so dass die CO2-Emissionen auch beim schnelle Fahren relativ niedrig bleiben. Beim Thema Sicherheit wartet das Modell mit intelligenter Technik auf: Das neue Auto soll den Fahrer vor einer Kollision sowie vorm Einschlafen bewahren. Neben einer exklusiven Innenausstattung aus Leder wurde auch am Soundsystem nicht gespart. Anschlussmöglichkeiten für den iPod und USB versprechen außerdem maximale Flexibilität.

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And the Winner ist: Paul Graham! Der britische Fotograf ist der diesjährige Gewinner des Hasselblad-Preises für Fotografie und kann sich neben der Auszeichnung zudem über ein Preisgeld von einer Millionen Kronen – rund 112.000 Euro – freuen. Der Hasselblad-Preis gehört zu den wichtigsten und renommiertesten Fotografie-Preisen der Welt. Frühere Preisträger waren libanesisch-amerikanischen Künstler Walid Raad, der im vergangenem Jahr gewann, sowie Robert Frank, Richard Avedon, Sebastio Salgado, Hiroshi Hamaya, Susan Meiselas, Ernst Haas, Henri Cartier-Bresson und Lennart Nilsson.

Die schwedische Hasselblad-Stiftung mit Sitz in Göteborg wurde 1979 gegründet fördert neben der Fotografie auch Forschung und akademischer Lehre in den Naturwissenschaften. Für diesen Zweck vergibt die Stiftung, dessen Vermögen von Victor Hasselblad (1906-1978) stammt, neben dem Fotografie-Award auch zahlreiche Stipendien, die “Victor Fellowships”. Victor Hasselblad gilt als Erfinder der Hasselblad-Kamera, die vor allem durch deren Benutzung im Weltall bekannt wurde.

Mit 55-Jährigen Fotografen Paul Graham erhält in diesem Jahr “einer der brillantesten Fotografen seiner Generation” den Award, der in seiner knapp 40 Jahre andauernden fotografischen Karriere ein Gesamtkunstwerk geschaffen hat, das seines gleichen sucht. Laut der Jury ist die gesamte Arbeit Grahams schlüssig und zeichnet sich durch ihre Vielseitigkeit aus. Die Bildserie “New Europa” visualisiert den Wandel Europas zwischen 1986 und 1992. Und über die Grenzen des alten Kontinents hinaus findet er einfühlsam und ungezwungen politisch fotografische Aspekte in den USA oder Japan. Er macht aus jedem Werk etwas Besonderes, ohne sich in eine bestimmte Richtung drängen zu lassen. Gleichzeitig findet er stets neue Elemente der Fotografie und lässt sie sichtbar in seine Arbeiten einfließen. Er ist Bewahrer und Erneuerer der fotografischen Tradition, der zurecht mit dem Hasselblad-Preis ausgezeichnet wird. Darüber hinaus widmet ihm die Stiftung ab Ende Oktober 2012 eine eigene Ausstellung im Hasselblad-Center des Kunstmuseums in Göteborg.

Denn seit Mitte der 90iger Jahre pendelte der Künstler immer wieder zwischen seiner Geburtsstadt und Berlin hin und her. Vor sechs Jahren erhielt er schließlich ein Visum und zog komplett in die deutsche Metropole. Noch immer lebt er in Wilmersdorf, deutsch spricht er allerdings bis heute nicht. Seine Fotografien werfen einen kritischen und humanistischen Blick auf eine Gesellschaft im freien Fall, die Decadence des ehemaligen Sowjet-Regimes und den konkreten Auswirkungen auf die Bürger. Seine Bilder zeigen gezeichnete Charaktere, Alkoholiker, Obdachlose, Menschen, die eigentlich längst aufgegeben haben, vor der Kamera aber eben doch noch einmal das Gegenteil beweisen wollen. Diese Aufnahmen, die zugleich persönliche Größe und Verfall, Würde und Verlorenheit einfangen, machten Mikhailov weltberühmt und führten ihn zu zahlreichen Ausstellungen im Ausland. Diese Fotografien haben gute Chancen, bald als Klassiker der Fotografie zu gelten. Nicht umsonst wurden sie mehrfach mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet.

73 Jahre ist der gebürtige Ukrainer mittlerweile alt. Seine “Krankengeschichte” von damals ist abgeschlossen, nun widmet er sich unter dem Motto “In the Street” den Berlinern. Seine aktuellen Werke zeigen typische West-Pärchen, Stehkaffee und geblümte Hosenanzüge und Gesundheitsschuhe: Wüsste man nicht, dass sie aktuell sind, würde man sie für Fotos aus den 70iger Jahren halten.

Und in der Tat steckt hinter seinem aktuellen Projekt wieder mehr Sozialstudie und Spurensuche, als man zunächst vermutet. Als nächstes möchte er “In the Street” im Ostteil Berlins weiterführen. Die Ausstellung läuft noch bis Ende Mai, am 30. Februar ist um 19 Uhr die feierliche Eröffnung.

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 Snowboarden, Tauchen, Klettern: Viele Sportarten erlauben es nicht, das Erlebnis selbst mit einer Kamera in der Hand festzuhalten. Für alle, die Freunden und Bekannten trotzdem das Abenteuer nicht vorenthalten wollen, gibt es jetzt eine praktische Lösung: die Firma Liquid Image hat Brillen mit integrierter Kamera auf den Markt gebracht. Die neuen Modelle stellt das Unternehmen auch auf der internationalen Messe CES (Consumer Electronics Show) vor.

Ein Brillen-Modell ist speziell für den Einsatz unter Wasser entwickelt worden, die so genannte Scuba Series HD 1080p. Für Snowboarder ist die Apex HD gedacht und für Sportarten im Gelände die Torque HD. Speziell wiederum für die Montage auf einem Fahrrad ist eine Kamera mit dem Namen Ego, da dieses Modell eine passende Halterung gleich inklusive hat.

Zur HD-Technik: Die integrierten Kameras sind mit einem Sensor mit einer Auflösung von zwölf Megapixeln ausgestattet und machen somit Aufnahmen mit 1.080p möglich. Das entspricht einer Full-HD-Qualität mit 30 Bildern pro Sekunde. Diese Rate kann aber noch bis auf 60 Bilder pro Sekunde erhöht werden. Die Aufnahmekapazitäten entsprechen standardmäßig einer Größe von vier Gigabyte. Nutzer können zudem eigene Speicherkarten mit bis zu 32 Gigabyte Kapazität einsetzen.

Weitere Finesse ist eine WLAN-Ausstattungen (außer bei dem Taucher-Modell). Damit können sich die Bilder direkt angeschaut werden. Die Snowboardbrille und die Geländesportbrille verfügen außerdem über ein GPS-Modul. Je nach Modell soll die Ladezeit der integrierten Akkus bis zu 2,5 Stunden reichen. 

Wer sich so ein neues Brillenmodell nun auf dem deutschen Markt zulegen möchte, muss sich aber noch ein wenig gedulden. In den USA hat die Markteinführung bereits stattgefunden. Hierzulande sollen die Modelle Ego und Torque HD ab Juni 2012 erhältlich sein. Die Apex HD ist erst für den Oktober dieses Jahres angekündigt. Nach Dollar-Preisen liegen die Kosten je nach Modell bei 150 US-Dollar für die Ego und 400 US-Dollar für die Torque HD sowie die Apex HD.

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Fotografieren wird immer beliebter, in der Freizeit hat man immer irgendwie eine Kamera dabei, wenn auch nur im Handy integriert. Wenn man das Hobby zum Beruf gemacht hat, fällt oft die Suche nach einem Atelier an.

Der Markt für Gewerberäumlichkeiten ist mit dem Aufkommen überregionaler Suchportale für Immobilien deutlich in Bewegung geraten. Bei der Suche nach einem geeigneten Mietobjekt für ein Fotostudio sollte man also schnell fündig werden. Allerdings sollte man dabei natürlich auch nicht das nächstbeste Angebot annehmen, sondern auf einige Faktoren achten. Vor allem, wenn das Fotostudio auf Laufkundschaft setzt, ist eine gute Lage sehr wichtig. Optimal ist, wenn das Studio in einer Einkaufsstraße oder sonstigen sehr belebten Straße gelegen ist. Wenn das Fotostudio eher auf Werbe- oder Industriekunden ausgerichtet ist, sollte eine gute Verkehrsanbindung gegeben sein, nahe oder in einem Gewerbegebiet liegen und es sollten auch ausreichend Parkplätze zur Verfügung stehen.

Dann sollte man sich die Räumlichkeiten genau ansehen, vor allem die Deckenhöhe ist wichtig. Wenn bei Ganzkörperfotografie ein Hintergrundsystem aufgehangen werden soll, ist eine Mindestraumhöhe von 3 Metern ratsam. Die Länge des Raumes sollte eine ausreichende Aufnahmeentfernung ermöglichen und die Breite sollte Platz für die Blitzstative bereit halten. Wenn größere Objekte, wie etwa Autos fotografiert werden, sind natürlich größere Maße erforderlich. Bezogen auf die Fenster muss jede_r Fotograf_in selbst entscheiden, ob mit Tageslicht gearbeitet werden soll, also große Fenster bevorzugt werden, oder ob man die Fenster eh abkleben wird.

Eine Klimaanlage ist dann sinnvoll, wenn das Studio durch die Lichter besonders schnell aufgeheizt wird und nur schlecht gelüftete werden kann. Die Lage im Erdgeschoss mit großem Eingang kann deutliche Vorteile bieten, wenn mit großen, sperrigen Objekten gearbeitet wird. Mindestausstattung ist ein Waschbecken und eine Toilette. Letztendlich muss also individuell nach Ansprüchen entschieden werden, was man braucht und natürlich auch, was man sich leisten kann.

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Bislang bestehen zwei Aktfotografien, die nicht überall positive Reaktionen auslösen. Die ägyptische Bloggerin Alia Magda Al-Mahdi und der chinesische Künstler Ai Weiwei haben Nacktaufnahmen von sich und anderen Menschen online gestellt.  Der Künstler und die Unabhängigkeitskämpferin wurden sowohl bedroht als auch verhört. Neben der Empörung ernteten die Beiden auch Solidarität, indem Menschen aus der ganzen Welt Nacktfotos von sich selbst ins Internet setzten. 40 Israelinnen zogen ihre Kleider aus und machten Nacktaufnahmen von sich, die sie öffentlich machten. Auf einem Banner stand in arabischer, hebräischer und englischer Sprache: ‘Love without Limits. Homage to Aliaa Elmahdi. Sisters in Israel.’ Im Hintergrund der Fotografien hing ein Plakat, auf dem folgender Satz zu sehen war: ‘ Show you are not afraid!’  Übersetzt heißt dies: ‘Zeige, dass du keine Angst hast!’

Ausgedacht hat sich Rudolph W. Giuliani diesen Satz des Protestes. Im Jahr 2001, nach dem Attentat auf die Twin-Towers, forderte der ehemalige Bürgermeister von den Menschen, sie sollen keine Angst haben oder zeigen. Er forderte die Menschen auf in Freiheit zu leben und sich diese durch einen Terroranschlag nicht nehmen zu lassen. 

Das Plakat ist von Mikael Mikael nun online gestellt worden. Jeder kann diesen Satz ausdrucken,  dokumentieren und wieder hochladen. Es geht um Aufmerksamkeit, darum, seine Meinung öffentlich kund zu tun und die Gesellschaft zu bewegen. Es gab bereits Aufnahmen des Neubaus des Bundesnachrichtendienstes aus Berlin und im Olympiadorf in München. Alles Orte, die Zweispalt erwecken. 

Die Nacktheit der Bilder zeigt die Verletzlichkeit und die Intimität der Menschen dar. Es scheint nicht neu zu sein, seine Nacktheit im Protest auszudrücken, doch im Gegensatz zu den Aktionen der ukrainischen Frauengruppe Femen, die sich auf öffentlichen Plätzen auszieht, um für Frauenrechte zu kämpfen, begeben sich Al-Mahdi und Weiwei damit in Lebensgefahr. 

Beide Kameras weisen wenig überraschend ziemlich vergleichbare Ergebnisse auf, schließlich arbeiten sie auch mit demselben Sensor mit 10 Megapixeln und demselben 10 bis 30 Millimeter Zoom. Die Unterschiede zwischen kleiner und großer Schwester betreffen also nicht die Bildqualität, sondern die Ausstattung. Auflösung, Schärfe, Vignettierung, Verzeichnung und Farbsäumung sind dieselben. Damit stellt sich Nikon gegen den Trend vieler namhafter Hersteller, die ihre Einsteigerkameras meist knackiger abstimmen als die Experten-Geräte.

Grenzen der Bildqualität fallen bereits ab ISO 400 auf: Die Rauschunterdrückung muss einige Helligkeits- und Farbfehler ausgleichen. Auch die Korngröße ist überraschend groß. Bis ISO 800 lassen sich die Bildungenauigkeiten mit der Rauschunterdrückung hinnehmen, natürlich mit teils verfälschten Farben und einem ungenauen Weißton.

Noch problematischer wird es, wenn mit einem großen Objektiv gearbeitet wird – der Zehnfachzoom 1-Mount VR 10-100 4.5-5.6 PD-Zoom etwa. Dieses riesige Objektiv benötigt bei einer so handlichen Kamera wie der Nikon V1 oder J1 meist noch ein Stativ – dabei zeigt Nikon eine deutliche Schwäche, nämlich kein vorhandenes Stativgewinde am Objektiv. Stattdessen muss meist noch ein passender Adapter gekauft werden, der dann zwischen Stativ und Kamera geklemmt wird. Besonders unbefriedigend bei der Zusammenarbeit von Nikons Digitalkameras und einem Zoom-Objektiv ist die Verzeichnung – im Weitwinkel beträgt sie gerade noch hinnehmbare 3 Prozent, spätestens bei mittlerer Breite kippt die Verzeichnung in eine sehr deutliche und störende Kissenform und im Telebreich beträgt sie viel zu hohe 2,5 Prozent. Auch die Farbsäume des Objektivs ist mit ein bis zwei Pixeln Umfang viel zu grob, vor allem, da die Nikon J1 nur eine Auflösung von 10 Megapixeln aufweist. Wer also mit der Nikon mit Objektiven arbeiten will, sollte vorsichtig sein und im Vorfeld klären, ob die gewünschten Objektive überhaupt gemeinsam mit der Kamera harmonieren.

Unter anderem geht es zum Beispiel um Menschen in Tansania, die aufgrund einer Erbkrankheit als Albinos gelten. Diese werden von den anderen Menschen gejagt, da ihre Körperteile und Organe als magisch gelten und heilige Kräfte haben sollen. Bei einem anderen Kapitel geht es um Kaninchen. Genauer gesagt um die Kaninchen welche 1859 zu Jagdzwecken nach Australien gebracht wurden und sich dort unerwarteter Weise explosionsartig vermehrten. Nun sollen selbst gezüchtete Viren dafür sorgen, dass die Kaninchen sterben und man somit die Population kontrollieren könne. Ein drittes Beispiel dürfte zugleich der Namensgeber für die Ausstellung sein. Dabei handelt es sich um einen Mann welcher bei einer öffentlichen Grundbucheintragung stutzt, da er genau wie seine beiden Brüder schon lange für tot erklärt ist. Grund dafür war die Habgier seiner Verwandten, welche einfach mehr erben wollten und sie somit auf dem Papier aus dem Weg schafften.

Diese und noch 15 weitere Geschichten sind nun in Berlin vom 22. September bis 1. Januar 2012 zu bestaunen. Das erstaunlichste an den Bildern ist, dass Simon nicht etwas versucht zu schockieren, sondern viel mehr beiläufig durch ihre nüchternen Fotos aufklären möchte um somit den Menschen zu zeigen wie es auf der Welt unter anderem zugeht.

Diese Ausstellung ist auf jeden Fall eine Empfehlung wert. Ein weiterer Grund dafür ist, dass Simon diese Studie über 4 Jahre betrieb und somit bei allen Geschehnissen über einen längeren Zeitraum bzw. mehrmals anwesend war und somit auch tatsächlich einen Einblick in diese Welt bekam.

Seit 2005 präsentieren die Kuratoren Andreas Fiedler und Simon Maurer die Austellungsreihe, die handverlesene Fotokünstler zur Schau stellt. Dabei geht es sowohl um eine Geschichtsschreibung durch Fotografien, als auch um die persönliche Bildsprache und das Weltbild der Künstler. Dabei stehen eher subtile Werke im Mittelpunkt: Diese wirken jedoch häufiger effektiver und machen erheblich betroffener, als großformatige Katastrophen-Bilder.

Den Auftakt zur Austellung setzt der kanadische Fotograf Edward Burtynsky mit einer Fotografie einer australischen Silbermine. Seit drei Jahrzehnten widmet er sich bereit der Gewinnung von Rohöl, die langsam unseren Planeten zerstört: Er fotografiert Abbaugebiete, Fabrikationsbetriebe und Müllhalden.

Beaut Streulis zeigt Autofahrer in Rotlicht-Vierteln: Distanziert, fast unmenschlich wirken seine Figuren. Die Österreicherin Aglaia Konrad verzichtet gänzlich auf Menschen und fotografiert urbane Wüstenlandschaften: Fast erdrückt wird man von den häßlichen Entwürfen einfallsloser Stadtplaner und dem überall vorherrschenden Betonklötzen. 

Bündner Castrich wurde kürzlich von der „EWZ-Fotoselection“ ausgezeichnet und ist mit Aufnahmen von verlassenen Hütten dabei. Ähnlich beeindruckende Fotografien stammen vom Züricher Uriel Orlov, der eine von einem Erdbeben zerstörte armenische Stadt vor die Linse nimmt.